Noureev

Jeune prodige du célèbre ballet du Kirov, Rudolf Noureev est à Paris en juin 1961 pour se produire sur la scène de l’Opéra. Fasciné par les folles nuits parisiennes et par la vie artistique et culturelle de la capitale, il se lie d’amitié avec Clara Saint, jeune femme introduite dans les milieux huppés. Mais les hommes du KGB chargés de le surveiller ne voient pas d’un bon œil ses fréquentations « occidentales » et le rappellent à l’ordre. Confronté à un terrible dilemme, Noureev devra faire un choix irrévocable, qui va bouleverser sa vie à jamais. Mais qui va le faire entrer dans l’Histoire.

Pour son quatrième film en tant que réalisateur, Ralph Fiennes s’intéresse au plus grand danseur étoile de tous les temps. Noureev met en scène les jeunes années du danseur soviétique. De son enfance à Oufa à sa formation à Leningrad, de sa rencontre décisive avec Alexandre Pouchkine, professeur d’exception qui le prit sous son aile et l’hébergea chez lui, à sa découverte de Paris jusqu’à son exil, ce biopic romancé brosse le portrait d’un jeune homme déterminé, un travailleur acharné, un passionné épris de liberté.

« Ce qui m’intéressait, c’était la volonté de Noureev d’accomplir son destin et la cruauté des épreuves qu’il a surmontées, ou encore le contexte du fossé idéologique entre l’Est et l’Ouest au plus fort de la guerre froide » raconte Ralph Fiennes, qui s’est inspiré de la biographie écrite par Julie Kavanagh pour porter à l’écran l’histoire de celui qui héritera du surnom du « Seigneur de la danse ».

Fasciné par la culture russe, Fiennes voit dans le destin rocambolesque et le caractère volcanique de Noureev un potentiel cinématographique certain. Le cinéaste traduit l’audace et le charisme qui émanait déjà de cette personnalité fascinante, campé avec justesse par le danseur ukrainien Oleg Ivenko, tout en restituant un contexte politique et social des plus intéressants.

Il est toutefois regrettable que le scénario bien trop conventionnel, le montage alambiqué et les personnages secondaires trop lisses (citons l’interprétation monocorde d’Adèle Exarchopoulos) alourdissent ce qui aurait pu être un film plein de panache et de fougue, à l’image de son sujet.

Sortie le 19 juin 2019.

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The Happy Prince

À la fin du XIXe siècle, le dandy et écrivain de génie Oscar Wilde, intelligent et scandaleux, brille au sein de la société londonienne. Son homosexualité est toutefois trop affichée pour son époque et il est envoyé en prison. Ruiné et malade lorsqu’il en sort, il part s’exiler à Paris. Dans sa chambre d’hôtel miteuse, au soir de sa vie, les souvenirs l’envahissent…
Est-ce bien lui celui qui, un jour, a été l’homme le plus célèbre de Londres ? L’artiste conspué par une société qui autrefois l’adulait ? L’amant qui, confronté à la mort, repense à sa tentative avortée de renouer avec sa femme Constance, à son histoire d’amour tourmentée avec Lord Alfred Douglas et à Robbie Ross, ami dévoué et généreux, qui a tenté en vain de le protéger contre ses pires excès ?
De Dieppe à Naples, en passant par Paris, Oscar n’est plus qu’un vagabond désargenté, passant son temps à fuir. Il est néanmoins vénéré par une bande étrange de marginaux et de gamins des rues qu’il fascine avec ses récits poétiques. Car son esprit est toujours aussi vif et acéré. Il conservera d’ailleurs son charme et son humour jusqu’à la fin : « Soit c’est le papier peint qui disparaît, soit c’est moi… ».

Je préfère vous l’avouer d’emblée : étant « naturellement » conquise par Rupert Evett et Colin Firth (je ne résiste pas au flegme anglais !) et lectrice admirative d’Oscar Wilde, j’ai découvert The Happy Prince dans un état d’esprit particulièrement enthousiaste et peu objectif (mais une chronique est-elle vraiment appelée à être objective ? Non ? Nous sommes bien d’accord).

Pour son premier film derrière la caméra, Rupert Everett porte à l’écran les dernières années de Wilde, brossant avec élégance le portrait d’un génie voué aux gémonies. Le réalisateur, qui incarne également l’écrivain, parvient à restituer la flamboyance et le fantasque de l’auteur du Portrait de Dorian Gray pourtant miné par le bagne et l’alcool, et filme avec une belle intensité l’exil tragique du dandy déchu.

« Je ne voulais pas écrire un biopic classique », raconte Everett. « J’avais décidé d’aborder l’exil par l’aspect religieux de son histoire et sa fascination pour le Christ. Et puis j’adore les scènes de mort : la chambre mortuaire d’Oscar Wilde me fascine, dans ce petit hôtel, dans une odeur de pisse et de tabac froid. J’adore les ténèbres, la fin du XIXe siècle. Quand j’étais petit, je n’avais en tête que Proust et Wilde. J’adore ce qui évoque la mémoire, c’est pour ça que j’aime aussi autant Proust ou Sergio Leone. »

Une fascination que l’on retrouve dans chaque élément du film, qu’il s’agisse des différentes ambiances créées selon les décors parisiens, napolitains ou dieppois, les dialogues savoureux, sublimement écrits, ou encore la mise en scène maîtrisée. Quant aux acteurs (Colin Firth, Colin Morgan, Emily Watson, ou les jeunes Benjamin Voisin et Matteo Salamone, impressionnant par sa maturité de jeu), tous sont remarquables de justesse.

Certes, la qualité de l’image, qui manquait de luminosité, m’a laissé chagrine. Mais The Happy Prince n’en reste pas moins un bel hommage et propose un instant de cinéma réussi.

En salles le 19 décembre 2019.

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Le château de verre

Jeannette Walls, chroniqueuse mondaine à New-York, a tout pour réussir et personne ne peut imaginer quelle fut son enfance. Élevée par un père charismatique, inventeur loufoque qui promet à ses enfants de leur construire un château de verre mais qui reste hanté par ses propres démons, et une mère artiste fantasque et irresponsable, elle a dû, depuis son plus jeune âge, prendre en charge ses frères et sœurs pour permettre à sa famille dysfonctionnelle de ne pas se perdre totalement. Sillonnant le pays, poursuivis par les créanciers, et refusant de scolariser leurs enfants, les Walls ont tout de même vécu une vie empreinte de poésie et de rêve, qui a laissé des marques indélébiles mais qui a créé des liens impossibles à renier.

« Pourquoi passer l’après-midi à préparer un repas qui sera avalé en une heure, quand dans le même temps, je pourrais peindre un tableau qui durera toujours ? » demande la mère, plus soucieuse de donner libre cours à son inspiration créative que de prendre soin de ses enfants.

Adapté du récit autobiographique de Jeannette Walls, Le château de verre brosse le portrait d’une famille marginale qui a pour credo l’anticonformisme. Destin Daniel Cretton (States of Grace) porte ainsi sur grand écran l’enfance chaotique de l’héroïne et de sa fratrie et ponctue son récit de multiples flash-back, convoquant les souvenirs houleux d’une jeune femme devenue rigide.

Les déménagements improvisés en pleine nuit à chaque fois que le père perdait son nouveau job, les maisons insalubres, les nuits à la belle étoiles au milieu des parcs nationaux peuplés d’animaux sauvages, la privation quotidienne, l’apprentissage « à la dure », la faim qui se faisait sentir plusieurs jours durant, les vaines promesses, l’instabilité permanente, l’alcool ravageur, mais aussi, l’imagination débridée, les échanges intellectuels passionnants, les histoires abracadabrantes racontées avec une infinie tendresse, les moments de complicité privilégiés, les étoiles offertes pour Noël… Le récit – qui s’apparente à un conte initiatique – suit l’évolution d’une enfant dans son rapport à son père, de l’admiration à la colère jusqu’au pardon, évitant subtilement l’écueil du règlement de compte.

Si l’on est rapidement happé par cette histoire peu ordinaire, qui émeut autant qu’elle questionne, la narration finit par traîner en longueur et devient même insipide. Dommage. Un tel sujet aurait mérité une écriture plus pêchue, une mise en scène plus imaginative, à l’image de ses protagonistes singuliers et excentriques.

Sortie le 27 septembre 2017.

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